Vom flachen Bild zum Raumerlebnis: Wie Sie eine Fotoausstellung mit Sound und Projektion konzipieren

Der Wunsch, eine Fotografie über die zweidimensionale Fläche hinaus zu erweitern, beschäftigt viele künstlerische Fotografen. Sie spüren, dass ihre Bilder mehr erzählen könnten, wenn sie in einen grösseren Kontext eingebettet wären – einen Kontext aus Klang, Bewegung und Licht. Doch der Weg dorthin ist oft von technischen Hürden und konzeptionellen Unsicherheiten gepflastert. Die üblichen Ratschläge erschöpfen sich schnell in technischen Spezifikationen für Beamer oder der vagen Aufforderung, „passenden Sound“ zu finden. Diese Herangehensweise behandelt Sound und Projektion jedoch als blosse Ergänzungen, als nachträglich hinzugefügte Dekoration zu einem bestehenden Werk.

Aber was, wenn der wahre Schlüssel nicht in der Addition von Medien liegt, sondern in deren synergetischer Verschmelzung zu einer neuen, eigenständigen Erfahrung? Wenn die eigentliche Kunst darin besteht, nicht das Bild zu beschallen, sondern den Raum selbst zur Bühne zu machen? Dieser Paradigmenwechsel ist das Herzstück einer wirklich immersiven Ausstellung. Es geht um eine Form der räumlichen Dramaturgie, bei der Sie als Künstler zum Architekten von Wahrnehmungen werden. Sie komponieren nicht nur Bilder, sondern schaffen eine Choreografie für den Blick und die Bewegung des Betrachters – eine Reiz-Architektur, die den passiven Beobachter zum aktiven Teilnehmer der von Ihnen geschaffenen Welt macht.

Dieser Artikel führt Sie durch die entscheidenden konzeptionellen und praktischen Schritte, um eine solche Erfahrung zu gestalten. Wir beginnen bei den technischen Grundlagen von Licht und Ton, tauchen ein in die Möglichkeiten der Interaktivität, beleuchten die Risiken und Finanzierungsoptionen speziell für Künstler in Deutschland und schliessen mit den fundamentalen Fragen des visuellen Erzählens und der Definition von Fotografie als Kunst im musealen Raum.

Um Ihnen eine klare Orientierung zu geben, haben wir die zentralen Aspekte der Konzeption einer immersiven Ausstellung in den folgenden Kapiteln für Sie aufbereitet. Der Leitfaden begleitet Sie von den technischen Grundlagen bis zu den tiefgreifenden künstlerischen Fragestellungen.

Welche Beamer-Leistung brauchen Sie für Tageslicht-Installationen?

Die Wahl des Projektors ist keine rein technische, sondern eine strategische Entscheidung, die die gesamte räumliche Dramaturgie beeinflusst. Insbesondere in Galerien oder Museen mit natürlichem Lichteinfall wird die Helligkeit des Beamers zum entscheidenden Faktor. Ein zu schwaches Bild verliert seine Präsenz und wird von der Umgebung verschluckt; die immersive Wirkung bricht zusammen. Es geht darum, das projizierte Licht als aktives gestalterisches Element zu begreifen, das die Blick-Choreografie des Besuchers lenkt und nicht nur als passive Abbildung an einer Wand dient.

Als Faustregel gilt: Je heller der Raum, desto höher muss die Lichtleistung des Projektors sein, gemessen in ANSI-Lumen. Während in einem komplett abgedunkelten Raum bereits 1.500 Lumen ausreichen können, ändern sich die Anforderungen bei Tageslicht dramatisch. Aktuellen Empfehlungen zufolge sollten Beamer für Räume mit Tageslichtbedingungen mindestens 3.000 bis 4.000 ANSI-Lumen aufweisen, um ein kontrastreiches und sichtbares Bild zu gewährleisten. Diese Angabe ist jedoch nur ein Ausgangspunkt. Faktoren wie die Grösse der Projektionsfläche, der Abstand des Projektors und die Farbe der Wand spielen ebenfalls eine entscheidende Rolle. Eine graue oder schwarze Projektionsfläche kann beispielsweise den Schwarzwert verbessern, erfordert aber eine noch höhere Lumenzahl, um die gleiche Helligkeit wie auf einer weissen Fläche zu erzielen.

Die folgende Tabelle gibt einen Überblick über typische Anforderungen und hilft Ihnen, den richtigen Projektortyp für Ihr spezifisches Umfeld einzuordnen. Betrachten Sie diese Werte als Grundlage für die Planung Ihrer Reiz-Architektur.

Letztlich muss die Technik der Vision folgen. Ein lichtstarker Beamer gibt Ihnen die gestalterische Freiheit, auch unter schwierigen Bedingungen eine kraftvolle visuelle Aussage zu treffen und das Gleichgewicht zwischen Umgebungslicht und projiziertem Bild meisterhaft zu kontrollieren. Unterschätzen Sie diesen Aspekt nicht, denn er bildet das Fundament für die visuelle Ebene Ihrer immersiven Installation.

Wie komponieren Sie Ton, der das Foto verstärkt, aber nicht stört?

Ton in einer Fotoausstellung ist weit mehr als nur Hintergrundmusik. Er ist ein architektonisches Element, das den Raum formt, Emotionen lenkt und eine synästhetische Komposition schafft, bei der Bild und Klang untrennbar miteinander verbunden sind. Der Fehler vieler Installationen liegt darin, den Ton als Untermalung zu begreifen. Eine wirklich immersive Erfahrung entsteht jedoch, wenn der Klang eine eigene narrative Ebene bildet, die die visuelle Aussage nicht doppelt, sondern erweitert, ihr widerspricht oder eine verborgene Ebene offenlegt. Denken Sie an den Klang nicht als Soundtrack, sondern als eine unsichtbare Skulptur im Raum.

Die Komposition kann von subtilen, atmosphärischen Klanglandschaften (Soundscapes) über konkrete Geräusche (Field Recordings) bis hin zu abstrakten elektronischen Texturen reichen. Wichtig ist die Frage: Was soll der Ton bewirken? Soll er den Betrachter beruhigen, ihn in Alarmbereitschaft versetzen, eine Erinnerung auslösen oder die physische Wahrnehmung des Raumes verändern? Punktuelle Lautsprecher (Richtlautsprecher) können Zonen schaffen, in denen der Ton nur an einer bestimmten Position hörbar ist, und so eine intime, persönliche Erfahrung für den einzelnen Besucher erzeugen. Gesteuerte Stille ist dabei ein ebenso mächtiges Werkzeug wie der Klang selbst.

Für Künstler in Deutschland kommt eine wichtige praktische Hürde hinzu: die GEMA. Sobald Sie Musik im öffentlichen Raum nutzen, die nicht von Ihnen selbst komponiert und als GEMA-frei deklariert wurde, wird eine Lizenzgebühr fällig. Wie eine Analyse der GEMA-Tarife für Messen und Ausstellungen zeigt, hängen die Kosten von der Raumgrösse und den Eintrittspreisen ab. Es ist entscheidend, dieses Budget von Anfang an einzuplanen. Alternativen sind die Nutzung von lizenzfreier Musik, Werken unter Creative-Commons-Lizenzen oder die Beauftragung eines Komponisten. In jedem Fall gilt bei öffentlichen Aufführungen die GEMA-Vermutung: Als Veranstalter müssen Sie nachweisen können, dass die verwendete Musik GEMA-frei ist, andernfalls drohen erhebliche Nachzahlungen.

Die auditive Gestaltung ist eine Gratwanderung. Ein perfekt komponierter Sound kann die emotionale Tiefe Ihrer Fotografien vervielfachen. Ein unpassender oder aufdringlicher Ton hingegen kann die gesamte Installation zerstören und die Bildaussage banalisieren. Die Kunst liegt in der Zurückhaltung und der präzisen Definition der Funktion, die der Klang innerhalb Ihrer Reiz-Architektur erfüllen soll.

Wie lösen Sie Bildwechsel aus, wenn der Besucher näher kommt?

Die Transformation des Betrachters vom passiven Beobachter zum aktiven Teilnehmer ist ein zentrales Ziel immersiver Ausstellungen. Interaktivität, die durch die Präsenz oder Bewegung des Besuchers ausgelöst wird, ist der Schlüssel zu diesem Wandel. Anstatt einer festen, linearen Projektionsschleife, schafft ein reaktives System eine dynamische und persönliche Erfahrung. Der Bildwechsel, der durch die Annäherung einer Person ausgelöst wird, erzeugt ein Gefühl von Dialog und Handlungsfähigkeit – das Kunstwerk scheint auf den Betrachter zu reagieren. Dies ist ein entscheidender Schritt in der Gestaltung einer wirkungsvollen Blick-Choreografie.

Um solche Interaktionen zu realisieren, stehen verschiedene Sensortechnologien zur Verfügung, die jeweils unterschiedliche Vor- und Nachteile für den Einsatz in einer Ausstellungsumgebung bieten. Die Wahl hängt vom gewünschten Effekt, dem Budget und den räumlichen Gegebenheiten ab.

• LiDAR-Sensoren: Diese bieten eine hochpräzise 3D-Erfassung des Raumes und können die Position und Bewegung von Besuchern auf bis zu 10 Meter genau verfolgen. Sie eignen sich für komplexe Interaktionen, bei denen die genaue Position im Raum entscheidend ist.
• Ultraschallsensoren: Eine kostengünstige und robuste Lösung zur einfachen Abstandsmessung. Sie sind ideal, um einen Trigger auszulösen, wenn ein Besucher einen vordefinierten Abstand (typischerweise 2-5 Meter) zu einer Wand oder einem Objekt unterschreitet.
• Wärmebildkameras: Ihr grosser Vorteil ist die Fähigkeit, mehrere Personen gleichzeitig zu erkennen, auch in völliger Dunkelheit. Sie erfassen die Anwesenheit durch Körperwärme und sind unempfindlich gegenüber wechselnden Lichtverhältnissen.
• Drucksensitive Bodenplatten: Sie ermöglichen die Definition exakter Trigger-Zonen auf dem Boden. Betritt ein Besucher eine solche Platte, wird eine Aktion ausgelöst. Dies erlaubt eine sehr präzise Steuerung der räumlichen Dramaturgie.
• Computer Vision mit Webcams: Eine flexible und softwarebasierte Lösung, die mit Programmen wie TouchDesigner oder vvvv realisiert werden kann. Sie kann nicht nur Anwesenheit, sondern auch Gesten oder die Blickrichtung erkennen, erfordert aber eine stabile Beleuchtung und mehr Rechenleistung.

Die Kombination dieser Sensoren mit einer Steuerungssoftware ermöglicht es, nicht nur Bildwechsel, sondern auch Veränderungen im Ton oder Licht auszulösen. Die technische Umsetzung kann eine Herausforderung sein, doch das Ergebnis ist eine lebendige Installation, die bei jedem Besuch und durch jeden Besucher neu entsteht. Wie Experten für räumliche Audio-Lösungen betonen, ist das Potenzial enorm, wie das folgende Zitat verdeutlicht:

Ein AI-gestütztes Assistenzsystem, das LiDAR-Daten verarbeitet und Hindernisse in präzise Klanghinweise in Echtzeit umwandelt.

– VRTONUNG Virtual Reality Sound, Portfolio Spatial Audio Solutions

Indem Sie dem Besucher eine Form der Kontrolle über die Narration geben, vertiefen Sie seine Verbindung zum Werk. Die Technologie wird zum unsichtbaren Vermittler zwischen Ihrer künstlerischen Absicht und der individuellen Wahrnehmung des Betrachters.

Das Risiko, dass Technik die Aussage Ihrer Bilder erschlägt

Der Einsatz von Sound, Projektion und Interaktivität birgt eine fundamentale Gefahr: das technologische Spektakel kann die subtile Kraft Ihrer Fotografien überwältigen. Wenn der Besucher mehr von den blinkenden Lichtern und den interaktiven Gimmicks fasziniert ist als von der Bildaussage selbst, ist die Installation gescheitert. Die Technik darf niemals zum Selbstzweck werden. Sie muss stets im Dienst der künstlerischen Vision stehen und diese verstärken, anstatt mit ihr in Konkurrenz zu treten. Das oberste Gebot lautet: Inhalt vor Effekt.

Eine erfolgreiche Integration zeichnet sich durch ihre scheinbare Unsichtbarkeit und Selbstverständlichkeit aus. Die Technik tritt in den Hintergrund und überlässt der Gesamtwirkung die Bühne. Dies erfordert eine bewusste Entscheidung für Zurückhaltung. Manchmal ist eine einzige, perfekt platzierte Projektion wirkungsvoller als eine raumfüllende Video-Wand. Ein subtiler, sich langsam verändernder Soundscape kann mehr Emotionen wecken als ein lauter, dramatischer Soundtrack. Das Ziel der Reiz-Architektur ist nicht die maximale, sondern die optimale Stimulation – jene, die den Fokus auf die Essenz Ihrer Arbeit lenkt.

Ein herausragendes Beispiel für gelungene technologische Integration in Deutschland ist die Ausstellung „The World of Music Video“ im Weltkulturerbe Völklinger Hütte. Hier wird die Technik meisterhaft eingesetzt, um die Erfahrung zu vertiefen, ohne sich in den Vordergrund zu drängen.

Der Schlüssel liegt darin, sich bei jeder technologischen Entscheidung zu fragen: Dient dies wirklich meiner Geschichte? Oder ist es nur eine technische Spielerei? Wenn die Technik die emotionale und intellektuelle Auseinandersetzung mit dem fotografischen Bild erleichtert, ist sie richtig eingesetzt. Wenn sie davon ablenkt, ist sie überflüssig und schädlich.

Welche Töpfe bei der Filmförderung stehen auch Fotografen offen?

Die Realisierung einer aufwendigen multimedialen Installation ist kostenintensiv. Technik, Programmierung und Lizenzgebühren können das Budget eines typischen Fotoprojekts schnell übersteigen. Eine gute Nachricht für Künstler in Deutschland ist jedoch, dass die Grenzen zwischen den Kunstformen durchlässiger werden. Viele Fördereinrichtungen, die traditionell im Film- oder Medienbereich angesiedelt sind, öffnen sich zunehmend für crossmediale und innovative Formate, bei denen die Fotografie ein zentraler Bestandteil ist.

Der Trick besteht darin, Ihr Projekt nicht als „Fotoausstellung mit Extras“ zu präsentieren, sondern als eigenständiges Medienkunstwerk, das narrative und technologische Elemente aus verschiedenen Disziplinen vereint. Betonen Sie den innovativen Charakter, die interaktiven Aspekte oder die experimentelle Erzählweise. Institutionen wie das Medienboard Berlin-Brandenburg oder die Film- und Medienstiftung NRW haben spezielle Programme für experimentelle Medienkunst oder interaktive Inhalte, die oft perfekt auf solche Projekte zugeschnitten sind. Auch die Stiftung Kulturwerk der VG Bild-Kunst ist eine wichtige Anlaufstelle, da sie explizit die Förderung innovativer Fotografie- und Medienprojekte unterstützt.

Darüber hinaus können auch „Kunst am Bau“-Wettbewerbe eine Finanzierungsquelle sein, insbesondere wenn Ihre Installation für einen spezifischen öffentlichen oder halböffentlichen Raum konzipiert ist. Die Suche nach der passenden Förderung erfordert Recherche und eine strategische Positionierung Ihres Vorhabens. Der folgende Plan hilft Ihnen, Ihre Möglichkeiten systematisch zu prüfen.

Die erfolgreiche Finanzierung Ihres Projekts hängt massgeblich davon ab, wie gut es Ihnen gelingt, die Fördergremien von der künstlerischen Relevanz und dem innovativen Potenzial Ihrer Vision zu überzeugen. Sehen Sie den Antragsprozess nicht als bürokratische Hürde, sondern als Chance, Ihr Konzept zu schärfen und überzeugend zu artikulieren.

Wie erzählen Sie eine komplexe Geschichte in nur 5 Bildern ohne Text?

Die Reduktion auf wenige Bilder ohne erklärenden Text ist die Königsdisziplin des visuellen Erzählens. Es ist eine Übung in Präzision und Verführung. Jedes Bild muss für sich stehen und gleichzeitig im Zusammenspiel mit den anderen eine narrative Kette bilden. Der leere Raum zwischen den Bildern wird dabei genauso wichtig wie die Bilder selbst. In diesem „narrativen Vakuum“ findet die eigentliche Arbeit im Kopf des Betrachters statt. Er wird zum Co-Autor, der die Lücken füllt, Verbindungen herstellt und eine persönliche Bedeutung konstruiert.

Um eine komplexe Geschichte auf diese Weise zu erzählen, müssen Sie über das einzelne Motiv hinausdenken und in Sequenzen, Rhythmen und visuellen Echos komponieren. Hier sind drei zentrale Strategien:

• Der rote Faden: Etablieren Sie ein wiederkehrendes visuelles Element – eine Farbe, eine Form, eine Geste, ein Objekt –, das sich durch alle fünf Bilder zieht. Dieses Element dient als Anker und führt den Blick des Betrachters von einem Bild zum nächsten.
• Die emotionale Kurve: Ordnen Sie die Bilder so an, dass sie eine klare emotionale Dramaturgie erzeugen. Beginnen Sie beispielsweise mit einem etablierenden, ruhigen Bild, bauen Sie Spannung oder einen Konflikt auf, führen Sie zu einem Höhepunkt und schliessen Sie mit einem auflösenden oder offenen, nachdenklichen Bild.
• Die Veränderung im Detail: Zeigen Sie eine Serie von Bildern, die auf den ersten Blick sehr ähnlich sind, sich aber in einem entscheidenden Detail unterscheiden. Die Konzentration des Betrachters auf diese subtile Veränderung erzählt eine Geschichte von Zeit, Verfall, Wachstum oder einer inneren Wandlung.

Ein interessantes Prinzip lässt sich aus der audiovisuellen Welt übertragen, wie die Macher der Kampagne „Sounds of Germany“ beschreiben. Obwohl es sich um ein Videoprojekt handelt, ist die erzählerische Haltung direkt auf die Fotografie anwendbar. Sie drehten aus der Ego-Perspektive, um die subjektive Wahrnehmung zu betonen, und liessen die Städte selbst zu den Protagonisten werden, nicht die Menschen darin. Übertragen auf eine Fotoserie bedeutet das: Erzählen Sie nicht über eine Person, sondern aus ihrer Perspektive. Machen Sie den Ort oder die Atmosphäre zum eigentlichen Hauptdarsteller Ihrer Geschichte.

Eine Serie von fünf Bildern ist kein Kompromiss, sondern eine bewusste künstlerische Entscheidung. Sie zwingt zur Essenz und aktiviert die Vorstellungskraft des Publikums auf eine Weise, die eine Fülle von Bildern oft nicht vermag. Die Geschichte entsteht nicht auf der Wand, sondern im Dialog zwischen Werk und Betrachter.

Wie verbinden Sie Fotos, Text und Grafiken zu einer fesselnden Web-Story?

Der digitale Raum ist ein anderes Universum als die stille, kontemplative Umgebung einer Galerie. Hier kämpfen Sie um die flüchtigste Ressource überhaupt: Aufmerksamkeit. Studien zeigen, dass die durchschnittliche Aufmerksamkeitsspanne bei Online-Videos weniger als 6 Sekunden beträgt, ein Wert, der die Dringlichkeit für alle visuellen Online-Inhalte unterstreicht. Eine fesselnde Web-Story muss den Nutzer daher vom ersten Moment an packen und darf ihn nicht mehr loslassen. Es geht um eine Choreografie des Scrollens, eine digitale Form der Blick-Choreografie.

Die Verbindung von Fotos, Text und Grafiken in einem digitalen Format wie dem „Scrollytelling“ folgt eigenen Gesetzen. Der Text sollte nicht einfach Bilder beschreiben, sondern eine eigenständige rhythmische Ebene bilden. Kurze, prägnante Textblöcke, die im Wechsel mit grossformatigen Bildern erscheinen, erzeugen einen dynamischen Lesefluss. Grafiken oder Zitate können als visuelle Ankerpunkte dienen, die das Tempo variieren und den Blick des Nutzers für einen Moment innehalten lassen.

Ein Schlüsselelement für den Erzählfluss im schnellen Online-Kontext ist die visuelle Kontinuität. Harte Schnitte oder abrupte Themenwechsel können den Nutzer aus der Erfahrung reissen. Eine Technik, die hier aus dem Filmschnitt entlehnt werden kann, ist der „Match Cut“.

Match cuts waren ein kreatives Stilmittel, um nicht hart von Ort zu Ort mit harten Schnitten zu springen. Sie eigneten sich perfekt, um im Flow der Geschichte zu bleiben und gleichzeitig das für Online-Werbung notwendige schnelle Erzähltempo beizubehalten.

– VRTONUNG, Sounds of Germany 3D Audio Campaign

Dieses Prinzip lässt sich direkt auf Web-Stories übertragen. Ein Match Cut kann hier eine visuelle Überleitung zwischen zwei Fotos sein, die eine ähnliche Form, Bewegung oder Farbe teilen, obwohl sie unterschiedliche Orte oder Momente zeigen. Dieser fliessende Übergang hält den Nutzer „im Flow“ und stärkt die narrative Verbindung zwischen den einzelnen Elementen. Anstatt einer losen Ansammlung von Medien entsteht so eine geschlossene, fesselnde Erzählung, die den Nutzer dazu verleitet, bis zum Ende zu scrollen.

Letztlich ist eine erfolgreiche Web-Story eine multimediale Komposition, bei der jedes Element – Bild, Text, Grafik, Leerraum – eine spezifische Funktion in der Gesamtdramaturgie erfüllt. Sie ist das digitale Äquivalent zu einer gut kuratierten Ausstellungswand, nur dass die Bewegung nicht durch den Raum, sondern durch den Scrollbalken stattfindet.

Wann wird ein Dokumentarfoto zur bildenden Kunst und landet im Museum?

Die Grenze zwischen Dokumentarfotografie und bildender Kunst ist fliessend und eine der spannendsten Debatten in der zeitgenössischen Fotografie. Ein Dokumentarfoto hat primär den Anspruch, eine äussere Realität abzubilden, Zeugnis abzulegen und zu informieren. Es ist dem Sujet und dem Kontext verpflichtet. Ein Kunstwerk hingegen beansprucht Autonomie. Es ist nicht nur ein Fenster zur Welt, sondern eine Welt für sich – geschaffen durch die subjektive Vision des Künstlers. Der Übergang geschieht in dem Moment, in dem die Form, die Komposition und die autoriale Haltung wichtiger werden als der reine Informationsgehalt des Abgebildeten.

Mehrere Faktoren können diesen Transformationsprozess auslösen. Einer der wichtigsten ist die Serialität. Ein einzelnes Dokumentarfoto mag ein starkes Zeitdokument sein. Eine Serie von Bildern desselben Fotografen zum gleichen Thema offenbart jedoch eine persönliche Handschrift, eine wiederkehrende Obsession, eine konsequente ästhetische Haltung. Die Serie macht die Intention des Autors sichtbar und verschiebt den Fokus vom „Was“ (dem Sujet) auf das „Wie“ (die künstlerische Bearbeitung). Künstler wie Andreas Gursky oder Candida Höfer, die aus der dokumentarischen Tradition der Düsseldorfer Photoschule kommen, sind perfekte Beispiele für diesen Prozess. Ihre streng komponierten, oft seriell angelegten Arbeiten transzendieren das Dokumentarische und werden zu Analysen von globalen Strukturen, Systemen und Orten.

Ein weiterer entscheidender Faktor ist der Kontext. Dasselbe Foto, das in einer Zeitung als Beleg für eine Nachricht dient, entfaltet in einem Museum eine völlig andere Wirkung. Der „White Cube“ der Galerie isoliert das Bild von seinem ursprünglichen Gebrauchskontext und lädt zu einer anderen, kontemplativeren Betrachtungsweise ein. Das Museum verleiht dem Werk eine Aura, es erhebt den Anspruch, von überzeitlicher Relevanz zu sein. Dieser institutionelle Rahmen ist oft die letzte Instanz, die ein fotografisches Werk offiziell in den Kanon der bildenden Kunst aufnimmt.

Letztlich findet die Transformation statt, wenn ein Foto aufhört, nur Fragen über die Welt zu stellen, und anfängt, Fragen über die Fotografie selbst zu stellen: über die Natur der Repräsentation, die Subjektivität des Blicks und die Konstruktion von Realität durch das Medium. In diesem Moment wird der Fotograf vom Zeugen zum Autor, und sein Bild vom Dokument zur Kunst.

Die Gestaltung einer immersiven Ausstellung ist somit mehr als eine technische Aufrüstung. Es ist ein Akt der Übersetzung – die Übersetzung Ihrer zweidimensionalen Vision in eine vielschichtige, räumliche Erfahrung, die alle Sinne anspricht. Beginnen Sie noch heute damit, Ihre Fotografien nicht nur als Bilder, sondern als Keimzellen für ganze Welten zu betrachten.