Das 24mm-Dilemma: So erzeugen Sie ‚Mittendrin-Gefühl‘ ohne Gesichter zu verzerren

Jeder Reportagefotograf kennt das Gefühl: Mit einem 50mm-Objektiv ist man oft nur ein Beobachter, ein paar entscheidende Meter vom Geschehen entfernt. Der Wunsch, diese Distanz zu überwinden und dem Betrachter das Gefühl zu geben, wirklich „mittendrin“ zu sein, führt unweigerlich zum Griff nach einem Weitwinkelobjektiv. Das 24mm-Objektiv verspricht diese subjektive Nähe, diese narrative Dichte. Doch mit diesem Versprechen kommt eine tiefsitzende Angst: die gefürchtete Weitwinkelverzerrung, die Gesichter am Bildrand unvorteilhaft in die Länge zieht und Proportionen entgleiten lässt.

Die gängigen Ratschläge sind bekannt und oft unbefriedigend. „Halte Personen immer in der Bildmitte“, lautet eine Regel, die kreative Kompositionen von vornherein einschränkt. „Das kann man doch in Lightroom korrigieren“, sagen andere und verlagern eine gestalterische Herausforderung in den digitalen Nachbearbeitungsprozess. Diese Ansätze behandeln das 24mm-Objektiv wie ein problematisches Werkzeug, das gezähmt werden muss. Aber was, wenn die wahre Meisterschaft nicht in der Vermeidung oder Korrektur von Symptomen liegt, sondern im grundlegenden Verständnis des Raumes selbst?

Die eigentliche Stärke der 24mm-Brennweite liegt nicht darin, wie wir Verzerrungen im Nachhinein beheben, sondern darin, wie wir räumliches Denken entwickeln, um sie gar nicht erst als störend empfinden zu lassen. Es geht darum, die Beziehung zwischen Vordergrund, Hauptmotiv und Hintergrund bewusst zu gestalten. In Deutschland, einem Land mit einer starken Tradition der Autorenfotografie, in dem die Haltung des Fotografen zählt, ist die Wahl der Brennweite immer auch eine philosophische Entscheidung über die Art und Weise, wie wir eine Geschichte erzählen.

Dieser Artikel bricht mit den alten Regeln. Er zeigt Ihnen, wie Sie die 24mm-Brennweite nicht als technischen Kompromiss, sondern als strategisches Instrument für immersive, emotionale und unverzerrte Reportagen einsetzen. Wir werden die fundamentalen Unterschiede der Brennweiten im Journalismus beleuchten, praxisnahe Techniken zur Rettung von Randbereichen und zur Schaffung von Tiefe erkunden und die professionellen Risiken ebenso wie die kreativen Grenzen dieses faszinierenden Werkzeugs ausloten.

Um diese Techniken systematisch zu meistern, gliedert sich dieser Leitfaden in klar definierte Bereiche. Das folgende Inhaltsverzeichnis gibt Ihnen einen Überblick über die Reise vom grundlegenden Verständnis bis hin zur professionellen Anwendung unter realen Bedingungen.

Warum 35mm als die „ehrlichste“ Brennweite im Journalismus gilt

In der Welt des Fotojournalismus wird die 35mm-Brennweite oft als der Goldstandard, als die „ehrlichste“ Perspektive bezeichnet. Der Grund dafür ist tief in der Wahrnehmungspsychologie verwurzelt. Ein 35mm-Objektiv an einer Vollformatkamera erzeugt ein Bildfeld, das dem menschlichen Sehen sehr nahekommt – nicht dem fokussierten Blick, sondern dem gesamten Wahrnehmungsfeld inklusive peripherer Bereiche. Es zwingt den Fotografen, physisch nah am Geschehen zu sein, um Details einzufangen, aber ohne die dramatische Raumdehnung eines 24mm oder die komprimierende Distanz eines Teleobjektivs. Diese Brennweite dokumentiert, ohne zu überhöhen oder zu verfremden. Sie repräsentiert eine respektvolle Distanz, die den Kontext zeigt, ohne ihn zu manipulieren.

Gerade in der deutschen Fotografie-Tradition, stark geprägt von der Autorenfotografie, ist diese Authentizität entscheidend. Agenturen wie die renommierte Berliner Agentur Ostkreuz wurden auf dem Leitgedanken gegründet, dass Fotografen unter Wahrung des Autorenprinzips sozial engagierte Projekte verfolgen. Die Wahl der Brennweite ist hier Teil der persönlichen Haltung und der fotografischen Handschrift. Das 35mm-Objektiv unterstützt einen erzählerischen Stil, der den Betrachter als Augenzeugen positioniert, nicht als Teilnehmer einer überinszenierten Realität. Es ist die Brennweite des beobachtenden Geschichtenerzählers.

Im Gegensatz dazu ist das 24mm-Objektiv das Werkzeug des subjektiven Erlebens. Es zieht den Betrachter aktiv in die Szene hinein, macht ihn zum Teil des Geschehens. Diese Immersivität ist seine grösste Stärke, birgt aber auch das „Risiko“ der Interpretation. Während 35mm sagt: „So war es“, flüstert 24mm: „So hat es sich angefühlt“. Die Entscheidung zwischen diesen beiden Brennweiten ist also weniger eine technische als eine narrative: Will ich ein ehrlicher Chronist sein oder ein emotionaler Interpret?

Wie retten Sie Weitwinkel-Porträts am Randbereich mit einem Klick?

Die häufigste Antwort auf die Frage nach verzerrten Gesichtern am Bildrand lautet: „Korrigier das in der Postproduktion.“ Moderne Software wie Adobe Lightroom oder Capture One bietet leistungsstarke Werkzeuge zur Objektivkorrektur, die auf Knopfdruck tonnen- oder kissenförmige Verzeichnungen beheben. Die Funktion „Profilkorrekturen aktivieren“ erkennt das verwendete Objektiv und wendet ein spezifisches Profil an, um die geometrische Verzerrung zu neutralisieren. Für die Dehnung von Gesichtern am Rand ist jedoch die manuelle Upright-Funktion (Transformieren-Panel) oft wirkungsvoller. Durch gezieltes Anpassen der vertikalen und horizontalen Perspektive lässt sich die Stauchung oder Streckung oft mildern.

Dieser Ansatz hat jedoch seine Grenzen und ist eher eine Rettungsaktion als eine gestalterische Strategie. Jede starke Korrektur führt zu einem Beschnitt des Bildes und potenziell zu einem leichten Verlust an Schärfe, da Pixel interpoliert werden müssen. Viel wichtiger ist der Gedanke, der vor der Aufnahme stattfindet: die Wahl des richtigen Werkzeugs. Nicht jedes 24mm-Objektiv ist gleich. Hochwertige, moderne Objektive sind bereits optisch so korrigiert, dass die Randverzerrung minimiert wird. Das ist keine Frage des Marketings, sondern der Physik und des Glas-Designs.

Die Entscheidung für ein bestimmtes Modell kann den Nachbearbeitungsaufwand erheblich reduzieren und die Bildqualität von vornherein sichern. Für Fotografen auf dem deutschen Markt, wo Präzision und Qualität hoch im Kurs stehen, ist dies ein relevanter Faktor.

Die folgende Tabelle zeigt beispielhaft, wie sich gängige Objektive in diesem Punkt unterscheiden, basierend auf einer Analyse von c’t Fotografie, einer Publikation von Heise, einer der angesehensten deutschen Tech-Medienquellen.

Die beste „Korrektur“ ist letztendlich die, die man nicht anwenden muss. Ein Verständnis für die Eigenschaften des eigenen Equipments ist der erste Schritt zum bewussten räumlichen Denken und weg von der reaktiven Fehlerbehebung.

Vordergrund macht Bild gesund: Wie Sie Tiefe in flache Szenen bringen

Eine der grössten Stärken des 24mm-Objektivs ist seine Fähigkeit, eine enorme Tiefenwirkung zu erzeugen. Während eine längere Brennweite den Raum komprimiert und alles auf eine Ebene zu ziehen scheint, dehnt ein Weitwinkel den Raum zwischen Vorder- und Hintergrund. Diese Eigenschaft ist der Schlüssel, um das „Mittendrin-Gefühl“ zu erzeugen. Ein Bild ohne klaren Vordergrund wirkt mit einem Weitwinkel oft flach und leer. Der Betrachter hat keinen „Einstiegspunkt“ in die Szene. Ein bewusst gewählter Vordergrund-Anker ist daher nicht nur Dekoration, sondern ein fundamentales narratives Werkzeug.

Stellen Sie sich eine Strassenszene in einer deutschen Altstadt vor. Anstatt nur die Personengruppe in der Mitte zu fotografieren, gehen Sie tiefer in die Hocke und nehmen das unebene Kopfsteinpflaster mit ins Bild. Die Fugen der Steine werden zu führenden Linien, die den Blick des Betrachters direkt zur Handlung leiten. Oder nutzen Sie einen Torbogen, einen Fensterrahmen oder sogar eine unscharfe Person im extremen Vordergrund, um eine „Frame-in-Frame“-Komposition zu schaffen. Diese Elemente geben dem Bild nicht nur eine räumliche Struktur, sondern auch Kontext und Atmosphäre. Mit 24mm Brennweite bekommt man genügend Vordergrund ins Bild, um die Situation erlebbar zu machen, während gleichzeitig die Gebäude am Horizont greifbar erscheinen.

Dieses Prinzip der visuellen Staffelung ist entscheidend. Sie komponieren nicht nur ein zweidimensionales Bild, Sie bauen eine dreidimensionale Welt. Der Vordergrund ist die erste Ebene, Ihr Hauptmotiv die zweite und der Hintergrund die dritte. Indem Sie diese Ebenen gezielt mit Inhalt füllen, erzeugen Sie eine narrative Dichte, die den Betrachter fesselt und ihm das Gefühl gibt, selbst an diesem Ort zu stehen. Die Proportionen zwischen diesen Ebenen bleiben dabei stimmig und wirken natürlich, solange keine wichtigen Bildelemente in den extremen Randzonen platziert werden.

Das Risiko bei Architektur-Reportagen, das professionelle Kunden abschreckt

Das 24mm-Objektiv ist in der Architekturfotografie weit verbreitet, doch hier lauert ein spezifisches Risiko, das weit über ästhetische Fragen hinausgeht. In der Reportagefotografie, die authentische Einblicke in Räume und deren Nutzung geben soll, ist es verlockend, mit dem Weitwinkel die Gesamtheit eines Ortes einzufangen. Das Problem entsteht, wenn die Bildsprache von einer dokumentarischen in eine werbliche Ästhetik kippt – der sogenannte „Immobilienmakler-Look“. Dieser zeichnet sich durch übertrieben gestreckte Räume, stürzende Linien und eine leere, unpersönliche Atmosphäre aus. Solche Bilder lassen Räume vielleicht grösser erscheinen, aber sie verlieren ihre Authentizität und wirken manipulativ.

Für professionelle Kunden im redaktionellen oder korporativen Bereich ist diese Ästhetik oft ein K.O.-Kriterium. Sie suchen nach Bildern, die eine ehrliche Geschichte erzählen, die Menschen bei der Arbeit zeigen, die Atmosphäre eines Ortes transportieren. Ein Bild mit stürzenden Linien, das einen Konferenzraum wie eine Kathedrale wirken lässt, ist nicht nur unehrlich, sondern oft auch rechtlich problematisch, wenn es einen falschen Eindruck erweckt. Wie der Deutsche Fachjournalisten-Verband (DFJV) treffend formuliert, ist die Abgabe von Bildern, die den professionellen Standards nicht genügen oder gar irreführend sind, ein absolutes No-Go.

Die Lieferung rechtlich nicht nutzbarer Bilder ist das K.O.-Kriterium für jeden professionellen Kunden.

– Redaktion, Deutscher Fachjournalisten-Verband

Der professionelle Ansatz für eine Architektur-Reportage mit 24mm liegt darin, das Objektiv nicht zur Raumvergrösserung, sondern zur Kontextualisierung zu nutzen. Anstatt ein leeres Büro zu fotografieren, zeigen Sie die Mitarbeiter in Interaktion. Nutzen Sie die Weite, um die Beziehung zwischen Mensch und Architektur darzustellen. Halten Sie die Kamera exakt gerade, um stürzende Linien zu vermeiden. Suchen Sie nach Kompositionen, in denen die Architektur den Rahmen für eine menschliche Geschichte bildet, anstatt selbst der sterile Hauptdarsteller zu sein.

Ein authentisches Reportagebild zeigt einen Raum, wie er erlebt wird, nicht, wie er verkauft werden soll. Es geht darum, die menschliche Skala innerhalb der Architektur zu bewahren. Das ist der feine, aber entscheidende Unterschied, den professionelle Auftraggeber erkennen und honorieren.

Wann ist der Fisheye-Effekt ein Stilmittel und wann ein journalistisches No-Go?

Wenn das 24mm-Objektiv bereits als interpretierend gilt, ist das Fisheye-Objektiv die pure Subjektivität. Mit seinem extremen Bildwinkel von bis zu 180 Grad und der charakteristischen tonnenförmigen Verzeichnung biegt es die Realität auf eine Weise, die unmöglich zu ignorieren ist. Im Fotojournalismus ist sein Einsatz daher ein schmaler Grat zwischen einem wirkungsvollen Stilmittel und einem groben Fauxpas, der die Glaubwürdigkeit des Fotografen und des Mediums untergraben kann.

Als kreatives Stilmittel ist der Fisheye-Effekt dann akzeptabel, wenn die Verzerrung die Atmosphäre des dokumentierten Ereignisses authentisch widerspiegelt oder sogar verstärkt. Denken Sie an die dynamische, oft chaotische Energie eines Punk-Konzerts, die Enge eines Moshpits, die geschwungenen Linien einer Skate-Rampe oder die verzerrte Wahrnehmung auf einer ausgelassenen Techno-Party. In diesen Subkulturen und Kontexten kann das Fisheye das Gefühl von Energie, Bewegung und Desorientierung visuell übersetzen. Hier wird die Verzerrung nicht als Fälschung, sondern als Teil der erlebten Wahrheit empfunden. Publikationen, die sich auf solche Szenen spezialisieren, wie etwa VICE Deutschland, setzen dieses Stilmittel gezielt ein.

Zum journalistischen No-Go wird der Fisheye-Effekt jedoch, sobald der Kontext Seriosität, Objektivität und Respekt erfordert. Die Darstellung einer politischen Debatte im Bundestag mit einem Fisheye wäre nicht nur eine ästhetische Entgleisung, sondern würde als Respektlosigkeit gegenüber den Akteuren und dem demokratischen Prozess gewertet. Ebenso undenkbar wäre sein Einsatz in der Gerichtsberichterstattung, bei der Dokumentation von sozialen Einrichtungen oder bei Porträts von Opfern einer Katastrophe. In diesen Situationen würde die Verzerrung die abgebildeten Personen karikieren und ihre Würde verletzen. Für Qualitätszeitungen wie die Süddeutsche Zeitung oder die FAZ ist ein solcher Bildeinsatz im Nachrichtenteil schlichtweg undenkbar, da er die grundlegenden Prinzipien des seriösen Journalismus untergräbt.

Warum 90% der Portfolios an einer fehlenden narrativen Struktur scheitern

Ein Portfolio ist mehr als nur eine Sammlung der technisch besten Bilder. Viele Fotografen, insbesondere am Anfang ihrer Karriere, machen den Fehler, ihre Mappe mit technisch perfekten, aber unzusammenhängenden Einzelbildern zu füllen. Ein schönes Porträt hier, eine beeindruckende Landschaft da. Doch was Bildredakteuren und potenziellen Kunden fehlt, ist die Handschrift, die Haltung, die Geschichte – kurz: die narrative Struktur. Ein Portfolio scheitert nicht am Mangel an guten Fotos, sondern am Mangel an einer kohärenten Vision.

Eine narrative Struktur bedeutet, dass die Bilder im Portfolio eine Geschichte über den Fotografen selbst erzählen. Welche Themen faszinieren ihn? Welche Perspektive nimmt er ein? Arbeitet er konzeptionell an Serien oder ist er ein Meister des entscheidenden Augenblicks? Renommierte deutsche Fotoschulen und Agenturen wie Ostkreuz legen grössten Wert auf die Entwicklung einer solchen Autoren-Haltung. Ihr Curriculum fördert die Arbeit an langfristigen, persönlichen Projekten in Bereichen wie Porträt, Reportage und Landschaft, um genau diese Tiefe zu erreichen.

Wie die Ostkreuz Agentur selbst betont, ist die Entwicklung einer eigenen Haltung in der heutigen Bilderflut wichtiger denn je. Ein Portfolio muss zeigen, dass der Fotograf nicht nur Aufträge abarbeiten kann, sondern dass er ein visueller Denker ist.

Gerade jetzt braucht es Fotografen, die ihren eigenen Interessen und Themen nachgehen und beharrlich genug sind, eigene Haltungen zu entwickeln. Die Relevanz für Qualitätsjournalismus und Dokumentarfotografie bleibt.

– Ostkreuz Agentur, Selbstdarstellung der Agentur

Praktisch bedeutet das: Statt 20 verschiedener Motive, zeigen Sie lieber zwei bis drei starke, in sich geschlossene Serien mit jeweils 8-10 Bildern. Eine Serie über das Leben in einer bestimmten Nachbarschaft, eine Porträtreihe über Handwerker oder eine Reportage über ein soziales Projekt. Diese Serien demonstrieren Durchhaltevermögen, ein tiefes Interesse am Thema und die Fähigkeit, eine Geschichte visuell zu entwickeln. Sie zeigen, dass Sie nicht nur ein Bild machen können, sondern eine Erzählung aufbauen. Das ist es, was einen austauschbaren Bildlieferanten von einem gefragten Autorenfotografen unterscheidet.

Wie Sie Belichtungsfehler sehen, bevor Sie überhaupt auslösen

In der Hektik einer Reportage-Situation gibt es oft keine zweite Chance für eine Aufnahme. Die Belichtung muss auf den Punkt sitzen. Sich allein auf die Automatik der Kamera zu verlassen, ist riskant, besonders bei den komplexen Lichtsituationen, die ein 24mm-Objektiv mit seinem weiten Bildwinkel einfängt. Ein heller Himmel und ein schattiger Vordergrund können jeden Belichtungsmesser überfordern. Der Schlüssel zur Kontrolle liegt darin, die Werkzeuge der Kamera zu nutzen, um Belichtungsfehler zu antizipieren, anstatt sie erst auf dem Display zu entdecken.

Das wichtigste Werkzeug dafür ist das Live-Histogramm. Es ist eine unbestechliche grafische Darstellung der Helligkeitsverteilung im Bild. Eine Ansammlung von Balken am rechten Rand signalisiert überbelichtete Bereiche („ausgebrannte Lichter“) ohne Zeichnung. Eine Häufung am linken Rand deutet auf unterbelichtete Bereiche („abgesoffene Schatten“) hin. Als Reportagefotograf ist der Schutz der Lichter fast immer die Priorität, da in den Schattenbereichen in der Regel mehr Bildinformationen für die Nachbearbeitung stecken. Richten Sie Ihre Belichtung also so aus, dass der Graph am rechten Rand gerade eben nicht anstösst.

Eine weitere, äusserst präzise Methode ist die Spotmessung. Anstatt die Belichtung über das gesamte Bildfeld zu mitteln, messen Sie einen kleinen, gezielten Punkt. Suchen Sie sich dafür im Motiv eine neutralgraue Fläche (Asphalt, trockene Baumrinde, ein graues Kleidungsstück). Wenn Sie diesen Bereich anmessen und belichten, wird die Kamera versuchen, ihn als mittleres Grau wiederzugeben, was in den meisten Fällen zu einer sehr ausgewogenen Gesamtbelichtung führt. Bei hohem Kontrast sollten Sie die Spotmessung gezielt auf den wichtigsten Teil Ihres Motivs legen, zum Beispiel das Gesicht einer Person, und den Rest der Szene bewusst heller oder dunkler werden lassen. Es ist eine bewusste Entscheidung, was im Bild korrekt belichtet sein soll.

In Deutschland, wo laut einer AWA-Studie 2023 rund 14,55 Millionen Menschen häufig fotografieren, ist die Beherrschung dieser Profi-Techniken ein klares Unterscheidungsmerkmal. Es ist der Übergang vom Knipsen zum bewussten Gestalten, der beginnt, lange bevor der Finger den Auslöser berührt.

Was tun Sie, wenn am Set in Brandenburg der Stromgenerator ausfällt?

Stellen Sie sich vor: Sie sind für eine aufwändige Reportage in einer abgelegenen Location in Brandenburg gebucht. Das Licht-Equipment ist aufgebaut, das Model ist bereit, doch plötzlich herrscht Stille. Der Stromgenerator ist ausgefallen. Für viele wäre das eine Katastrophe, das Ende des Shootings. Für einen denkenden Reportagefotografen ist es ein Moment, in dem sich die Spreu vom Weizen trennt. Es ist der Moment, in dem Improvisation und Problemlösungskompetenz wichtiger werden als technische Perfektion.

Anstatt in Panik zu verfallen, ist der erste Schritt, die Situation neu zu bewerten. Brandenburg, mit seinen weiten Landschaften und oft dramatischen Himmeln, bietet ideale Bedingungen für die Fotografie mit verfügbarem Licht (Available Light). Der Ausfall der Technik ist eine Chance, den ursprünglichen, oft starren Plan über Bord zu werfen und die authentische Situation zu dokumentieren. Das „Chaos am Set“, die ratlosen Gesichter, der Techniker, der am Generator werkelt – all das kann eine neue, unerwartete und oft viel ehrlichere narrative Ebene für Ihre Reportage erschliessen. Sie fotografieren nicht mehr die inszenierte Geschichte, sondern die Geschichte hinter der Geschichte.

Zur Professionalität gehört aber auch, auf solche Szenarien vorbereitet zu sein. Eine gute Backup-Strategie ist in Deutschland unerlässlich. Dazu gehört, die Notfallausrüstung im Auto (z.B. eine Warnweste als improvisierter Reflektor) kreativ nutzen zu können, die Nummern lokaler Equipment-Verleiher wie MBF Filmtechnik oder ARRI Rental in Berlin/Potsdam griffbereit zu haben und eine ADAC-Mitgliedschaft für technische Pannen auf dem Weg zum Set zu besitzen. Diese Vorbereitung gibt die mentale Freiheit, im Ernstfall kreativ statt panisch zu reagieren.

Beginnen Sie noch heute damit, jede Aufnahme als eine Übung in räumlichem Denken zu betrachten. Analysieren Sie den Raum, bevor Sie die Kamera ans Auge nehmen, und Sie werden feststellen, dass das 24mm-Objektiv zu Ihrem mächtigsten Verbündeten für fesselnde Geschichten wird.